Авангардистские направления. Русский авангард в живописи — художники, направления, характерные черты

В начале ХХ века в России появилось одно из течений, взявшее начало от модернизма и получившее название «русский авангард». Дословно звучит как avant - «впереди» и garde - «охрана», но со прошел так называемую модернизацию и зазвучал как «передовой отряд». По сути, основоположниками этого течения стали 19 века, которые пропагандировали отрицание каких-либо устоев, являющихся базовыми для всех времен существования искусства. Основной целью художников-авангардистов являлось отрицание традиций и неписаных законов художественного мастерства.

Авангард и его течения

Русский авангард - это сочетание русских традиций с некоторыми приемами западноевропейской живописи. В России художники-авангардисты - это те, которые писали в стиле абстракционизма, супрематизма, конструктивизма и кубофутуризма. Собственно, эти четыре течения и являются основными направлениями авангарда.



Художественные черты и эстетика авангарда

Для авангардного течения характерны некоторые черты, отличающие его от других направлений:

  • Авангардисты приветствуют любые общественные изменения, например, революции.
  • Течению свойственна некая двойственность, например, рационализм и иррациональность.
  • Признание, восхищение и преклонение перед научно-техническим прогрессом.
  • Новые формы, приемы и средства, не используемые ранее в художественном мире.
  • Полное отторжение изобразительного искусства VIII века.
  • Отрицание или признание традиций, устоявшихся основ в живописи.
  • Эксперименты с формами, цветами и оттенками.

Василий Кандинский

Все художники-авангардисты 20 века являются «детьми» Василия Кандинского, который стал основоположником авангарда в России. Все его творчество разделено на 3 этапа:

  • В Мюнхенский период Кандинский работает над пейзажами, создавая такие шедевры как «Синий всадник», «Шлюз», «Берег залива в Голландии», «Старый город».
  • Московский период. Наиболее известные картины этого периода «Амазонка» и «Амазонка в горах».
  • Баухаус и Париж. Круг применяется все чаще по сравнению с другими геометрическими фигурами, а оттенки тяготеют к холодным и спокойным тонам. Работами этого периода являются «Маленькая мечта в красном», «Композиция VIII», «Маленькие миры», «Желтый звук», «Причудливое».

Казимир Малевич

Казимир Малевич родился в феврале 1879 года в Киеве в польской семье. Впервые в роли художника он попробовал себя в 15 лет, когда ему подарили набор красок. С тех пор для Малевича не было дел важнее живописи. Но родители не разделяли увлечений сына и настаивали на получении более серьезной и прибыльной профессии. Поэтому Малевич поступил в агрономическое училище. Переехав в Курск в 1896 году, он заводит знакомство с Львом Квачевским, художником, который советует Казимиру ехать учиться в Москву. К сожалению, Малевич дважды не смог поступить в Московское училище живописи. Он начал учиться мастерству у Рерберга, который не только обучал молодого художника, но и всячески опекал: организовывал выставки его работ, представлял его публике. Как ранние, так и поздние работы К. Малевича - это напыщенность и эмоциональность. Как и другие русские он сочетает в своих работах благопристойность и неприличие, но все картины объединяет ирония и вдумчивость. В 1915 году Малевич представил публике цикл картин в стиле авангарда, наиболее известная среди которых - «Черный квадрат». Среди множества работ как поклонники, так и художники-авангардисты выделили «Некий злонамеренный», «Отдых. Общество в цилиндрах», «Сестры», «Белье на заборе», «Торс», «Садовник», «Церковь», «Две дриады», «Кубофутуристическая композиция».

Михаил Ларионов

Обучался в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Его наставниками были такие известные живописцы, как Коровин, Левитан и Серов. В раннем творчестве Ларионова прослеживаются нотки, свойственные творчеству Нестерова и Кузнецова, которые отнюдь не художники-авангардисты и их картины не относятся к этому течению. Свойственны Ларионову и такие направления, как народное искусство, примитивизм. Проскакивают военные нотки, например, «Отдыхающие солдаты» и теория идеальной красоты, освещенная в картинах «Венеры» и «Кацапская Венера». Как и другие советские художники-авангардисты, Ларионов принимал участие в выставке «Ослиный хвост» и «Бубновый валет».

Наталья Гончарова

Изначально Гончарова изучала скульптуру и только со временем переключилась на живопись. Первым ее наставником был Коровин, и в этот период она порадовала выставки своими картинами в духе импрессионизма. Затем ее привлекла тематика крестьянского искусства и традиции разных народов и эпох. Это стало причиной появления таких картин как «Евангелисты», «Уборка хлеба», «Мать», «Хоровод». А воплощением на холсте идеи бессмертного искусства стали картины «Орхидеи» и «Лучистые лилии»

Ольга Розанова

Как и большинство художников, Розанова после окончания училища попала под влияние других живописцев. Художники-авангардисты приобщали молодую талантливую девушку к общественной жизни, и за 10 лет своей деятельности она поучаствовала в большом количестве выставок и оформила массу книг и постановок. Розанова прошла несколько этапов творчества, меняла стили и направления.

Иван Клюнков (Клюн)

Творческий путь Ивана Клюна круто изменился после встречи с Малевичем. Еще до встречи с ним художник изучал французскую живопись и посетил выставку «Бубновый валет». После судьбоносной встречи Клюн пополняет свою коллекцию картинами «Граммофон», «Кувшин» и «Пробегающий пейзаж». Более поздние работы художник выполнял в стиле фигуративной живописи, создавая композиции, натюрморты, иллюстрации.

Александра Экстер

Экстер стала художницей благодаря где судьба свела ее с такими всемирно известными художниками, как Пикассо, Жакоб, Брак, Аполлинер, среди которых были и авангардисты.
После поездки Экстер стала писать в импрессионистском стиле и результатом работы стали картины «Натюрморт с вазой и цветами» и «Три женские фигуры». Со временем в работах стал проявляться пуантилизм и кубизм. Александра представляла свои картины на выставках. Позже художница много времени посвятила беспредметным композициям и росписи ширм, абажуров, подушек, а также оформлению театральных постановок.

Владимир Татлин

Татлин начинал учиться в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, а затем - в Пензенском художественном училище. Но ввиду частых пропусков и плохой успеваемости, был отчислен, так и не получив диплома. В 1914 году Татлин уже выставляет свои работы на выставке «Бубновый валет» и «Ослиный хвост». В основном, картины его связаны с рыбацкими буднями. Важную роль в перемене направления играет встреча с Пикассо: именно после нее Татлин стал творить в стиле кубизма и в стиле «ларионовского влияния». Его творения отражали конструкции, состоящие из дерева и железа и стали основополагающими для конструктивистского течения в русском авангарде.

Эль Лисицкий

Впервые плотно с живописью Лисицкий столкнулся в Еврейском обществе поощрения художеств, где он работал с 1916 года. На тот момент он не только иллюстрировал еврейские издания, но и активно участвовал в выставках, проходивших в Москве и Киеве. Работы автора гармонично сочетают рукописные свитки и мирискусническую графику. По приезду в Витебск Лисицкий увлекается беспредметным творчеством, оформляет книги и плакаты. Детищем Эля являются «проуны» - трехмерные фигуры, которые являются основой для мебельного производства даже в наши дни.

Любовь Попова

Как и большинство художников, Попова прошла многоэтапный путь становления: ранние ее работы были выполнены в стиле сезаннизма, а потом появились черты кубизма, фовизма и футуризма. Попова воспринимала мир как большой натюрморт и переносила его на холст в виде графических изображений. Особое внимание Любовь уделяла звукам красок. Это и отличало ее работы от работ Малевича. Занимаясь оформлением театральных постановок, Попова применяла стиль «арт-деко», в котором гармонично сочетались авангард и модерн. Художнице было свойственно сочетать несочетаемое, например, кубизм с ренессансом и русской иконописью.

Роль российского авангарда в истории

Многие наработки авангардистов до сих пор используются в современном художественном искусстве, несмотря на то что сам авангард как течение просуществовал совсем недолго. Основная причина его краха заключается во множестве направлений, которые создавали художники-авангардисты. Авангард как искусство дал возможность развиваться фото- и киноиндустрии, позволил выработать новые формы, подходы и решения в решении художественных проблем.

НА РУБЕЖЕ XIX-XX ВЕКОВ

Введение

История культуры рубежных периодов развития человечества всегда интересна, так как именно на рубеже веков возникают новые явления в музыке, новые направления, представленные молодыми композиторами, художниками и литераторами, которые не только отвергают приемы и техники предшествующих времен, но и предлагают собственное видение мира, наполняя его новой философией и идеологией, а также собственные приемы написания картин, стихов и музыки.

Несмотря на то, что феномен русского авангарда существовал не долго, всего несколько десятилетий, благодаря ему "родились" такие великие художники, как Казимир Малевич и Василий Кандинский, которые оставили большое количество произведений искусства. Второе десятилетие прошлого века поставило Малевича и Кандинского вровень с Пикассо. Особенное значение имеет тот факт, что общее понятие "русский авангард" состоит из нескольких направлений, которые были характерны не только для живописи, но и для всего искусства того времени, в том числе для архитектуры, скульптуры, кинематографа, дизайна и литературы. Несмотря на то, что авангардное направление в искусстве развивалось и в других странах, многие направления появились именно в России. Они же и получили название "русский авангард". Наследие русских авангардистов до сих пор пользуется большой популярностью. Это и картины художников, и стихи поэтов, среди которых особое место занимает творчество Владимира Маяковского; и непревзойденные здания и постройки, которые и в наше время радуют глаз москвичей.

Актуальность проекта.

Рубеж XX и XXI веков – то самое время, в которое мы живем. А поэтому мне было интересно обращение к истории культуры прошлого века, когда на смену романтическому и постромантическому искусству пришли композиторы, художники и поэты, провозглашавшие в своих произведениях идеи авангардизма. Мне хотелось разобраться в идеях вестников авангардизма, потому что и в настоящее многие мысли, выдвинутые ими уже более 100 лет назад, проявляются в искусстве современности , до сих пор многие композиторы пользуются техникой сочинения, предложенной авторами музыки еще в начале ХХ века, до сих картины художников-авангардистов привлекают внимание, вызывая споры в свою защиту и против.

Этапы работы над творческим проектом.

В работе над проектом можно обозначить основные этапы работы, которые были связаны с решением определенных задач.

I . Этап проблематизации . Формулировка проблемы, темы проекта, на котором мы постарались ответить на следующие вопросы.

Основополагающий вопрос:


  • Что такое авангард в искусстве?
Проблемные вопросы:

  • Какова история возникновения авангардизма?

  • Каким образом проявляются новые, авангардные взгляды в философии, живописи, поэзии и музыке начала ХХ века?

  • Какие способы передачи содержания в произведении предлагают молодые авторы?

  • Как проявляются черты авангардизма в различных видах искусства ?

  • Какие новые техники сочинения музыки возникают в начале XX века?

  • Каково значение авангардизма первых десятилетий XX века в истории мировой культуры?
Гипотеза . Если возникают новые философские течения, новые системы мировоззрения, то неизбежно должны появиться новые техники письма, приемы создания произведений и в культуре человечества.

Таким образом, предметом исследования является авангардистские сочинения и произведения в музыке, поэзии и живописи XX века.

Ожидаемые результаты:

1. Проведение исторического исследования возникновения и развития идей авангардизма поможет шире развить свой кругозор;

2. Расширение собственных представлений о явлениях культуры, происходивших на рубеже XIX-XX веков;

3. Развитие аналитических навыков при рассмотрении и изучении техники додекафонии, предложенной композиторами Нововенской школы;

4. Создание презентации, отражающей проявление авангардизма в различных видах искусства.

2. Этап целеполагания. Цель нашей деятельности заключается в поиске и исследовании данной темы и практическом воплощении.

Цель проекта : знакомство с различными направлениями авангардного искусства первых десятилетий XX века.

Задачи проекта:


  1. Узнать о различных направлениях искусства в рамках авангардизма;

  2. Определить специфику некоторых из них, их идейного содержания;

  3. Выявить значение авангардизма для развития мировой культуры;

  4. Создать презентацию на основе творческого проекта, отражающую содержанию данной темы.
3. Этап планирования . Составление плана по сбору информации, проведения исследования . Чтобы осуществить проект необходимо проделать определенную работу от исходной проблемы до реализации цели проекта.

Мы планировали сделать исследовательскую часть проекта за 2 месяца (60 дней), поэтому был составлен следующий план работы.





Что нужно сделать

Срок исполнения

Выполнение

1.

Продумывание цели и задач проекта

1 день

Выполнено

2.

Запись этапов работы и планирование

1 день

Выполнено

3.

Составление разработки проекта

2 дня

Выполнено

4.

Подбор материала о разновидностях и специфике художественного языка в рамках авангардизма.

15 дней

Выполнено

5.

Работа с источниками:

Обзор литературы по данной теме;

Знакомство с музыкальными, поэтическими и живописными произведениями искусства;


25 дней

Выполнено

6.

Создание текста проекта. Систематизация изученного материала.

5 дней

Выполнено

7.

Оценивание проделанной работы

2 дня

Выполнено

8.

Редактирование сделанной работы

1 день

Выполнено

9.

Работа над созданием презентации

8 дней

Выполнено

Срок выполнения проекта - 2 месяца (60 дней)

В работе мы пользовались следующими методами :


  1. Методом комплексного сравнительного анализа проявления черт авангардизма в произведениях различных видов искусств (живописи, музыки, литературы)

  2. Методом исторического анализа, как в произведениях искусства проявляются черты новых философских идей, нового образного содержания;

  3. Методом описания изученного материала.
4. Этапы реализации проекта.

  1. Изучение и анализ исследовательского материала.

  2. Изготовление и оформление проектного продукта.

  3. Подготовка к презентации исследовательского материала.

  4. Знакомство одноклассников с историей возникновения и художественной значимостью авангардизма начала XX века.

  5. Представление содержания проекта и презентации на уроках музыкальной литературы в Детской школе искусств, уроках МХК в общеобразовательной школе.
Оценка результатов работы над проектом:

  1. Для написания отчета о ходе работы над проектом были использованы возможности текстового редактора WORD.

  2. При разработке презентации были освоены следующие технологии работы с компьютером: офисные программы Microsoft Word, Microsoft PowerPoint.

  3. В результате реализации данного проекта были усовершенствованы навыки работы с поиском информации, умение отбирать и оценивать наиболее значимый материал для раскрытия темы.

  4. Для учащихся был проведен творческий отчет в форме презентации.

  5. Проект был представлен на Всероссийском конкурсе творческих проектов учащихся.
Презентация

  • Подготовка к проведению презентации полученных результатов.

  • Презентация полученных результатов на Всероссийском конкурсе творческих проектов учащихся.
Ресурсы:

  • Литература

  • Интернет

  • Беседы с педагогами в Детской школе искусств по интересующим вопросам.
Методы исследования:

  • Работа со словарем;

  • Работа с интернет сайтами;

  • Анализ музыкальных, поэтических и художественных произведений.
Практическая значимость работы состоит в том, изучив специфику и особенности развития культуры начала ХХ века, можно:

  • Применять полученные знания на уроках истории и Мировой художественной культуры в общеобразовательной школе .

  • Использовать данный творческих проект как иллюстративный материал на уроках музыкальной литературы в Детской школе искусств.
Содержание проекта

Термин «авангардизм» появился в 1920-х годах и окончательно утвердился после второй мировой войны. Явления авангарда характерны для многих видов искусства – театра, литературы, музыки, но особенно – для изобразительного искусства. Авангардисты отказались от традиционных приемов, характерных для реалистических направлений искусства. Новые течения в изобразительном искусстве (кубизм, супрематизм, абстракционизм и др.) сходились в стремлении освободиться от предметности, фигуративности. Для авангардизма характерно отрицание всех устоев, это направление отрицает какое-либо проявление преемственности художественных традиций.

На разных исторических этапах роль авангарда играли сменявшие друг друга течения: 1900-1910 гг. – время появления фовизма, кубизма, футуризма, экспрессионизма, дадаизма, абстрактного искусства; в 1920-1930-х гг. на первый план выходит сюрреализм, в послевоенный период возникают новые течения абстракционизма – абстрактный экспрессионизм, ташизм, информальное искусство и др.; 1960-1970-е гг. – переходная эпоха от «классического» авангарда к неоавангарду, или постмодернизму. Создавая множество приемов, методов, форм художественного и антихудожественного выражения, авангардисты способствовали появлению и развитию новых видов искусств, таких как фотография, кино, электронная музыка.

При всем многообразии творческих программ авангарда все же можно выделить ряд таких общих черт, как позиция постоянного протеста, отказ от классических форм изобразительности и красоты в пользу ориентации на примитив, способность к постоянному самообновлению. Изображение подвергается экспрессивным деформациям, аналитическому членению и различным игровым преобразованиям, вплоть до полного вытеснения изобразительности. Отвергая замкнутую в себе форму, художники авангарда стремятся "раскрыть" ее, различными способами сообщая динамику произведению. Подобное "открытое" произведение предполагает соучастие зрителя в процессе выявления смысла произведения: зритель разгадывает предложенные ему загадки и парадоксы, наделяет знаки и символы своим значением. Ярким примером таково «разгадывания» может стать супрематизм в живописи. Супрематизм Создан К. Малевичем в 1910 г. Цель направления – выражение реальности в простых формах (квадрат, круг, треугольник, прямая), которые лежат в основе остальных форм физического мира. В картинах данного направления нет понятий верх, низ, право, лево – все направления равноправны, словно в пространстве космоса. Возникает замкнутый в себе самостоятельный мир. Изобразительным манифестом направления стал знаменитый «Чёрный квадрат» Малевича.

Переходным явлением, послужившим основой для многих других течений русского авангарда, стал кубофутуризм . Это направление соединило в себе традиции итальянского футуризма и французского кубизма. О. Розанова, Л. Попова, Н. Удальцова, Н. Гончарова, А. Экстер, К. Малевич в определенный период своего творчества работали в духе кубофутуризма. Эти работы были максимально абстрактными, отвлеченными от конкретных форм действительности и традиционных правил создания живописного произведения.

Основные черты авангардизма

1. Отказ от традиционного разделения литературы на профессиональную и непрофессиональную, сопровожденный энергичным неприятием всего, что маркируется как “академическое”, “музейное”, и, напроотив, креативным интересом к фольклору.

2. Сознательная, а иногда и шокирующая установка на “непонятность” как на способ преодолеть автоматизм эстетического восприятия, поэтому, по словам Максима Шапира, “непонимание, полное или частичное, органически входит в замысел авангардиста.

3. Стремление к стиранию граней между разными жанрами и, более того, отдельными видами искусств, увенчивающееся такими гибридными формами, как визуальная поэзия.

4. Поиски собственного, “паспортизированного” жанра, техники или приема, которые в сознании публики и в памяти культуры будут отныне жестко связаны именно с этим и ни с каким другим именем . Так, визитной карточкой Дмитрия Авалиани были листовертни, Александр Горнон эксклюзивно интересен фоносемантикой.

5. Эпатажно-скандальный характер презентации авангардистами самих себя и своих произведений.

Авангардизм зацепил множество сфер в искусстве: живопись, литературу, кинематограф, музыку и другое. Рассмотрим несколько движений авангардистов. Обратимся к авангардной литературе.

Футуризм - ответвление модернизма, авангардистское течение 10-30-х годов XX века Возникла она в Италии в 1909 году Автором первого манифеста футуристов бы был поэт Филиппо Томмазо Маринетти (1876-1944 гг). Футуристы выступали против литературных традиций. Они призывали уничтожить музеи и библиотеки, освободить Италию от профессоров и археологов Старой культуре, которая, по их словам, воспевала леность мысли и бездействие, футуристы противопоставили новую. Футуристы выступали против психологизма в литературе, потому психология исчерпана до дна и на смену ей придет лирика неживой материи. По их мнению, раскаленное дерево или железо вызывает сильные переживания, чем улыбка или слезы женщины. Футуристы проводили деструкцию лексики, призвали существительные ставить, как они приходят в голову, отменить прилагательное, который задерживает динамику восприятия, соединять слова без служебных слов. Футуристы шокировали публику заумным языком. В изобразительном искусстве динамику, дух эпохи футуристы передавали абстрактными линиями и удивительными формами, пестрыми красками. В музыке накапливали грохот, шум.

Другие особенности имел футуризм в славянских странах. Наиболее ярко проявил себя в России. Футуристы заявили о себе в 1911 году. Русские футуристы создавали искусственные слова, нелогичные синтаксические конструкции. Русский футурист О.Крученых, например, написал такое стихотворение

дыр, бул, щыл

убешур


скум

вы со бу


г л эз

Он заявлял, что в этих пяти строках больше русского национального, чем во всей поэзии А.С. Пушкина.

Авангард в живописи .

Экспрессионизм - течение в европейском искусстве эпохи модернизма, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия XX века , преимущественно в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько к воспроизведению действительности, сколько к выражению эмоционального состояния автора. Экспрессионизм возник как острейшая, болезненная реакция на Первую мировую войну и революционные движения. Поколение, травмированное бойней мировой войны, воспринимало действительность крайне субъективно, через призму таких эмоций, как разочарование, тревога, страх. Очень распространены мотивы боли и крика. Своими предшественниками немецкие экспрессионисты считали постимпрессионистов, которые в конце XIX века, открывая новые экспрессивные возможности цвета и линии, перешли от воспроизведения действительности к выражению собственных субъективных состояний. Драматические полотна Винсента, ван Гога, Эдварда Мунка и Джеймса Энсора при всей индивидуальности манер этих художников пронизаны зашкаливающими эмоциями восторга, негодования, ужаса. Банальность, уродливость и противоречия современной жизни порождали у экспрессионистов чувства раздражения, отвращения, тревоги, которые они передавали при помощи угловатых, искорёженных линий, быстрых и грубых мазков,

Эдвард Мунк. Крик

кричащего колорита. Предпочтение отдавалось цветам предельно контрастным с тем, чтобы усилить воздействие на зрителя, не оставить его равнодушным. Малопримечательные, на первый взгляд, картины современной уличной жизни получали под кистью экспрессионистов бьющую через край эмоциональную окраску.

В начале ХХ столетия в иcкyccтвe появилось новое направление – кубизм. Данное направление основывается на paзлoжeнии и дeфopмaции пpeдмeтoв. Изображаемые предметы разлагаются на гeoмeтpичecкиe плocкocти, их формы определённым образом сдвигаются. Истоки кубизма тесно связаны с именем знаменитого Пабло Пикассо. Кубизм Пикассо вызван интересом художника к примитивистской африканской скульптуре. Он заинтересовался ней на рубеже 1907-1908 гг. Рубленые формы африканского искусства закрепили стремление Пикассо к абстрактной обобщенности образов

Кубизм в живописи - не просто изображение предмета, это изображение предмета, который мысленно разрушен и заново создан в сознании художника. Чаще всего предметы на полотнах в стиле кубизма сполна утрачивают связь со своими действительными прототипами и превращаются в абстрактные символы , значение которых доступно лишь одному автору. Стиль кубизма выразил огромное влияние на развитие живописи, изменил представление художников о способах передачи фактуры и объема и пространстве.

Если говорить о русском кубизме следует понимать, что развитие этого направления в этой стране шло несколько иным путем, чем в европейских странах. К русскому кубизму часто относят творчество Шагала, Малевича , Архипенко, Альтмана и Лентулова, однако, их работы так же можно принимать в качестве примера других течений в искусстве. Несомненно, кубизм в живописи произвел громадное потрясение. Именно он открывал дорогу абстрактному творчеству, дал зрителям возможность самим трактовать символы, которые изображены на произведениях кубистов. Кубизм в живописи приготовил массовое сознание зрителей и художников, послужив основой для развития таких течений абстрактного искусства, как футуризм, конструктивизм и много другое.

Отцом театрального авангарда считается Альфред Жарри, автор пьесы Король Убю, впервые поставленной в 1896 на сцене символистского театра «Творчество» в Париже. Парижане, воспитанные на классицизме, были шокированы непристойным слогом и озадачены непривычной формой пьесы. Многие историки театра утверждают, что Альфред породил все авангардные театральные течения 20 в.: и сюрреализм, и абсурд, и «театр жестокости». В России эта пьеса практически не ставилась, в 2001 ее осуществил один из московских театров.

За реформу театра были все представители авангардных течений, но наиболее полно высказались футуристы во главе с Ф.Т.Маринетти (1876–1944) и дадаисты во главе с Т.Тцара (1896–1963). Их театральные теории оказали влияние на всю последующую европейскую режиссуру 20 в. У итальянского футуризма и дадаизма общие корни – творчество А.Жарри. .

Футуристы и дадаисты поставили под сомнение современную им театральную систему. Новые театральные решения футуристы обосновали в двенадцати теоретических документах-манифестах. Их критика начиналась с осуждения примата драматургии в театральном искусстве, которая расценивалась как насилие над игрой – свободной творческой стихией. В Манифесте футуристы заявили о создании нового театра – импровизационного, динамичного, ирреального. Они отняли приоритет у слова, главного элемента академического театра, и отдали его физическому действию. Место драматургии заняли короткие пьески без слов, в них существовали каркасы сценок, но отсутствовали логика действия, психологическая разработка образа. Впоследствии во второй половине 20 в. возник пластический театр художника. И футуризм, и дадаизм скептически относились и к главному завоеванию начала 20 в. – режиссерскому театру. В режиссере они видели буржуа от искусства. Они отвергали и позиции актера, который считался не более чем предметом на сцене, таким же, как стол или стул.

Как же проявляется авангард музыке?

Переходя к разговору о музыке, особенно интересно отметить, как в сравнительно короткое время эти музыкальные новшества возникли в разных точках земного шара, у композиторов, совсем не соприкасавшихся друг с другом, так что нельзя здесь говорить о “злостном влиянии одного отступника от вековых музыкальных норм”, который, “нарушив законы музыки”, а затем обратил в свою веру других своих коллег. Как известно, такие авторы как Скрябин, Шенберг, Стравинский, Барток, Айвс, Рославец, Лурье и другие действовали абсолютно самостоятельно и пришли к результатам, настолько же контрастным по отношению друг к другу, насколько и схожим друг с другом по смелости, изобретальности и отрыву от музыкального языка прошлого. Можно сказать, что самое главное, что объединило всех этих несхожих друг с другом композиторов , – это слышание космических процессов, вторгающихся в пространство того времени. И именно этот фактор оказался определяющим в их эстетическом формировании. Путь развития музыкального языка конца ХIХ в. был драматичен и тернист. Как всегда в искусстве, какие-то системы устаревают и на их место приходят новые. В этом и заключается вся суть авангарда. В русском музыкальном авангарде следует различать две его принципиально разные генерации: авангард 1910–1920-х годов и авангард 1960–1980-х годов. Хотя между ними имеется некоторая преемственность, она не носит существенного характера.

Авангард 1910–1920-х годов

Исследователи отмечают, что ранний музыкальный авангард – явление весьма неоднородное. Главным здесь был поиск некоего «нового мирослышания», «звукового миросозерцания». В русле «нового мирослышания» переосмысливались многие основные музыкальные категории – звук, звуковысотная система, тембр, гармония и т.д. Почти все ранние авангардисты так или иначе занимались обновлением традиционной системы темперирования и изобретали новые системы деления тонов. В связи с обновлением темперации вставал вопрос о новом отношении к звуку. В идеале аванагрдисты стремились к изобретению новых инструментов или устройств, соответствующих такому подходу: здесь может быть назван знаменитый терменвокс (первый в мировой практике электроакустический инструмент, построенный инженером Л.С.Терменом и допускающий любые микроградации звука), а также электроакустические инструменты Обухова «Эфир» и «Кристалл». Эти инструменты давали принципиально новую сонорику, но столь же часто предпринимались попытки «усовершенствовать» традиционные фортепиано, орган и применить новые приемы игры на них.

Одним из творений авангардного течения в музыке 20 века стала додекафония. Автором этой техники был Арнольд Шёнберг – австрийский композитор, создатель «Новой Венской школы», педагог, обучавший таких выдающихся учеников как Антон Веберн, Альбан Берг и другие.

Додекафония заменила привычную нам диатоническую систему. Суть диатонической системы заключается в том, что из 12 звуков, которые различает европейское ухо (так называемый темперированный строй), можно брать только 7 и на их основе строить композицию. Семь звуков образовывали тональность. Например, простейшая тональность до мажор использует всем известную гамму: до, ре, ми, фа, соль, ля, си. Проще говоря, эта тональность использует только белые клавиши на рояле. Тональность до минор отличается тем, что вместо ми появляется ми-бемоль. То есть в тональности до минор уже нельзя употреблять простое ми, за исключением так называемых модуляций, то есть переходов в родственную тональность, отличающуюся от исходной понижением или повышением на полтона. Постепенно к концу ХIХ в. модуляции стали все более смелыми, композиторы, по выражению Веберна, "стали позволять себе слишком много". И вот контраст между мажором и минором постепенно стал сходить на нет. Это начинается у Шопена, уже отчетливо видно у Брамса, на этом построена музыка Густава Малера. К началу ХХ в. композиторы-нововенцы, экспериментировавшие с музыкальной формой, зашли в тупик. Получилось, что можно сочинять музыку, используя все двенадцать тонов: это был хаос - мучительный период атональности.

Из музыкального хаоса было два противоположных пути. Первым - усложнением системы диатоники путем политональности, т.е. путем одновременности звучания - пошли Стравинский, Хиндемит, Шостакович. Вторым, жестким путем, пошли нововенцы, и это было создание целой системы из фрагмента старой системы.

Дело в том, что к концу ХIХ в. в упадок пришел не только диатонический принцип, но и сама классическая венская гармония, то есть принцип, согласно которому есть ведущий мелодию голос, а есть аккомпанемент. В истории музыки венской гармонии предшествовал контрапункт, или полифония, где не было иерархии мелодии и аккомпанемента, а были несколько равных голосов.

Нововенцы во многом вернулись к системе строгого добаховского контрапункта. Отказавшись от гармонии как от принципа, они легче смогли организовать музыку по-новому. Не отказываясь от равенства 12 тонов (атональности), Шенберг ввел правило, в соответствии с которым при сочинении композиции должна пройти последовательность их всех неповторяющихся 12 тонов, после чего она могла повторяться и варьировать, то есть быть 1) прямой; 2) ракоходной, то есть идущей от конца к началу; 3) инверсированной, то есть как бы перевернутой относительно горизонтали, и 4) ракоходно-инверсированной. В арсенале у композитора появлялось четыре серии. Этого было, конечно, очень мало. Тогда ввели правило, согласно которому серии можно было начинать от любой ступени, сохраняя лишь исходную последовательность тонов и полутонов. Тогда 4 серии, умножившись на 12 тонов темперированного строя, дали 48 возможностей. В этом и состоит существо 12-тоновой музыки. Ее основа равенство всех звуков.

Русский авангард как феномен искусства 20 века

Русский авангард - общий термин для обозначения значительного явления в искусстве, процветавшего в России с 1890 по 1930 год, хотя некоторые ранние его проявления относятся к 1850-м, а поздние - к 1960-м годам. Феномен искусства 20 в., определяемый термином "русский авангард", не соотносится с какой-либо конкретной художественной программой или стилем. Этот термин окончательно закрепляется за радикальными новаторскими течениями, складывающимися в русском искусстве в предвоенные - 1907-1914 гг., выходящие на авансцену в годы революции и достигающие зрелости в первое послереволюционное десятилетие. Различные течения художественного авангарда объединяет решительный разрыв не только с академическими традициями и эклектической эстетикой 19 в., но и с новым искусством стиля модерн - господствующим в это время повсеместно и во всех видах искусства от архитектуры и живописи до театра и дизайна. Общим для русского авангарда был радикальный отказ от культурного наследия, полное отрицание преемственности в художественном творчестве и сочетание деструктивного и созидательного начал: духа нигилизма и революционной агрессии с творческой энергией, направленной на создание принципиально нового в искусстве и в иных сферах жизни.

Основные представители этого течения в России - В. Малевич, В. Кандинский, М. Ларионов, М. Матюшин, В. Татлин, П. Кузнецов, Г. Якулов, А. Экстер, Б. Эндер и другие.

Всем течениям авангардистского искусства действительно свойственна подмена духовного содержания прагматизмом, эмоциональности - трезвым расчетом, художественной образности - простой гармонизацией, эстетикой форм, композиции - конструкцией, больших идей - утилитарностью. Традиционный русский максимализм, ярко проявившийся еще в движении передвижников и "шестидесятников" 19 столетия, был лишь усилен русской революцией и привел к тому, что во всем мире Советская Россия считается родиной авангардного искусства.

Новое искусство покоряет безудержной свободой, увлекает и захватывает, но одновременно свидетельствует о деградации, разрушении целостности содержания и формы. Присущая некоторым течениям авангардного искусства атмосфера иронии, игры, карнавальности, маскарада не столько маскирует, сколько раскрывает глубокий внутренний разлад в душе художника. Идеология авангардизма несет в себе разрушительную силу . В 1910-х гг., по словам Н. Бердяева, в России подрастало "хулиганское поколение".

Авангард был нацелен на радикальное преобразование человеческого сознания средствами искусства, на эстетическую революцию, которая разрушила бы духовную косность существующего общества, при этом его художественно-утопические стратегия и тактика были гораздо более решительными, анархически-бунтарскими. Не удовлетворяясь созданием изысканных "очагов" красоты и тайны, противостоящих низменной материальности бытия, авангард ввел в свои образы грубую материю жизни, "поэтику улицы", хаотическую ритмику современного города, природу, наделенную мощной созидательно-разрушительной силой. Он не раз декларативно подчеркивал в своих произведениях принцип "антиискусства", отвергая тем самым не только прежние, более традиционные стили, но и устоявшееся понятие искусства в целом.

Спектр направлений авангарда велик. Преобразования охватили все виды творчества, но изоискусство постоянно выступало инициатором новых движений. Мастера постимпрессионизма предопределили важнейшие тенденции авангарда; его ранний фронт наметился групповыми выступлениями представителей фовизма и кубизма. Футуризм укрепил интернациональные контакты авангарда, ввел новые принципы взаимодействия искусств (изоискусства, литературы, музыки, театра, фотографии и кинематографа). В 1900-10-е годы новые направления рождаются одно за другим. Экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм с их чуткостью к бессознательному в человеческой психике обозначили иррациональную линию авангарда, в конструктивизме же, напротив, проявилась его рациональная, строительная воля. В русском авангарде нашли отражение не все течения европейского авангарда. Такие течения, как дадаизм, сюрреализм, фовизм и некоторые другие были характерны только для Европы.

В период войн и революций 1910-х годов политический и художественный авангарды активно взаимодействуют. Левые силы в политике пытались использовать авангард в своих агитационно-пропагандистских целях, позднее тоталитарные режимы (прежде всего, в Германии и СССР) стремились подавить его строгой цензурой, загоняя авангард в подполье.

В условиях же политического либерализма авангард с 1920-х годов утрачивает прежний пафос противостояния, вступает в союз с модерном, устанавливает контакт с массовой культурой. Кризис авангарда, к середине 20 века в значительной мере растратившего свою былую "революционную" энергию, явился стимулом для формирования постмодернизма как основной ему альтернативы.

1917 год изменил все. Это стало очевидно не сразу. Первые 5 лет - героическое пятилетие 1917-1922 - еще оставляли почву для надежд. Но вскоре иллюзии рассеялись. Началась драма разрушения грандиозного бастиона модернистского искусства, созданного в России гением и трудом, манифестами и бурными дискуссиями всемирно известных мастеров. К рубежу 1920-1930-х годов нереалистические направления были запрещены полностью; некоторые художники уехали в другие страны; иные были репрессированы или, поддавшись жестокой неизбежности, оставили авангардные поиски. В 1932 году были окончательно закрыты многочисленные художественные объединения; властями был создан единый Союз художников.

Можно сделать вывод, что русский авангард на самом деле является феноменом 20 века, поскольку до него ни один из стилей искусства не отважился сделать такой вызов традиционному искусству.

Заключение

Исследовав данную тему, можно смело утверждать, что все дальнейшее развитие музыки XX века определил творческий взрыв начала века. Проявление нового эстетического опыта в начале века можно сравнить с этим переходом из мира двух в мир трех измерений. Возможны два объяснения феномена художественного всплеска начала ХХ века – первое - это чудо и провиденциальное явление, а второе – это поступательное накопление духовных богатств, которое в один прекрасный день неожиданно проявилось таким образом. Ведь питательной почвой для Новой культуры была высокая культура ей предшествующая. Шенберг никогда не смог бы сформироваться как Шенберг, если бы он не вырос на традициях Баха, Бетховена, Вагнера и Брамса. Эта идея вполне актуальна касательно литературы и живописи.

Гипотеза о том, что появление новых философских научных взглядов вызывает разнообразие новых течений в культурной жизни человека, как выражения философии жизни, мировоззрения человека является верной . Это подтвердило знакомство с картинами художников, музыкальными произведениями и поэтическими творениями.

Работа над данным проектом помогла мне расширить представление о различных видах искусства, способствовала более глубокому пониманию культуры начала ХХ века. Помогла увидеть и узнать много интересных музыкальных сочинений, произведений литературы и живописи

По результатам работы над проектом мною была представлена презентация и рассказ об авангарде начала ХХ века перед учащимися моей группы на занятиях по музыкальной литературе. Ребята проявили интерес к моему проекту и живо интересовались предложенной мною информацией.

Итогом проектной деятельности стало создание компьютерной презентации, которая показала, что материал по исследованию авангардных произведений способствовал не только моему интеллектуальному росту, но и активизировал воображение, вдохновение, реализуя творческий потенциал.

Список литературы


  1. Алпатов М. Искусство. - М.: Просвещение, 1969.

  2. Альбом. Русские художники от “А” до “Я". - М.: Слово, 1996.

  3. Власов В.Г. Стили в искусстве. Словарь. - СПб.: Лита, 1998.

  4. История русского и советского искусства - М.: Высшая школа, 1989. С. 53.

  5. Крусанов А.В. Русский авангард 1907-1932: Исторический обзор. Т.1. - СПб., 1996.

  6. Культурология: Учеб. для Вузов / Под ред. Н.Г. Багдасаряна. - М.: Высшая школа, 1998.

  7. Популярная художественная энциклопедия. - М.: Педагогика, 1986.

  8. Русские художники. - Самара: АГНИ, 1997.

  9. Русские художники XII-XX веков: Энциклопедия. - М.: Азбука, 1999.

  10. Сайт футуризм в картинках http://www.woodli.com

  11. Сайт Википедия http://www.wikipedia.org

  12. Сайт http://www.Artonline.ru

  13. Сайт http://www.krugosvet.ru

  14. uploads -> Исследовательская работа Экологическая обстановка лесов Арского лесничества на примере Балтасинского участкового лесничества
Василий Кандинский. Картина с кругом. 1911 год Национальный музей Грузии

Одно из основных направлений авангарда. В отличие от тради-ционного искусства не подражает реальности и не воспроизводит ее элементы. Объект абстрактного искусства — инструментарий художника: цвет, линия и форма. Первые абстрактные произведения создал Василий Кандинский в конце 1900‑х — начале 1910‑х; первым абстрактным произведением считается его «Картина с кругом» (1911). В 1912-1915 годах появились абстрактные живо-писные системы лучизма (Ларионов, 1912) и супрематизма (Малевич, 1915).

Авангард

Сначала термин употреблялся в военном деле и по отношению к политическим событиям — до тех пор пока в 1885 году французский критик Теодор Дюре не использовал его в художественной критике. Впрочем, в таком значении слово не прижилось. Лишь в 1950-х годах оно вернулось в искусствоведение благодаря французскому критику Мишелю Сёфору, который впервые назвал авангардом русское искусство начала XX века.

Всёчество

Термин придумал весной 1913 года Илья Зданевич — художник, писатель, издатель и журналист. В основу всёчества легли художественно-эстетические идеи Михаила Ларионова и художников его круга: в каталоге к выставке «Мишень» он признал все существующие стили — кубизм, футуризм, орфеизм и другие. 5 ноября того же года Зданевич публично представил свою концеп-цию в Москве на закрытии выставки Наталии Гончаровой. Лекция называлась «Наталия Гончарова и всёчество». После этого Зданевич отправился в Петер-бург, чтобы и там пропагандировать идеи всёчества на лекциях и в диспутах. Эти выступления носили характерный для авангарда эпатажный характер. Так, в конце выступления «Раскраска лица» 9 апреля 1914 года Зданевич выкрасил лицо черной краской, а 17 апреля того же года на акции «Поклонение башмаку» отрицал все, что считалось прекрасным, и воспел красоту башмака, «красивого, подобно автомобилям и двигателям».

Заборная живопись

Обращение к сюжетам и стилистике надписей на заборах — одна из характер-нейших особенностей авангарда и неопримитивизма. Особенно заметно это направление в работах Ларионова неопримитивистского периода.

Конструктивизм


Эль Лисицкий. Проект небоскреба у Никитских Ворот, вид с Тверского бульвара charnelhouse.org

От латинского constructio — «построение». Основные черты конструкти-визма — строгость, лаконизм и геометричные формы. Официально стиль был обозначен в 1922 году в одноименной книге художника и теоретика искусства Алексея Гана. Среди самых известных конструктивистов — Владимир Татлин, Александр Родченко, Варвара Степанова, архитекторы Моисей Гинзбург, Константин Мельников, братья Веснины. Конструктивизм распространился в самых разных сферах художественного творчества: театральных декорациях и костюмах, книжном оформлении, архитектуре и проч.

Космизм


Лазарь Хидекель. Города будущего. Надземный город. 1927 год newsfeed.kosmograd.com

Философское понятие, возникшее в 1870-е годы и обозначающее философов и ученых, размышлявших о внеземном пространстве и космосе. Развитию космизма способствовало беспредметное, или абстрактное, искусство, а ученики Малевича — художник Иван Кудряшов и архитектор Лазарь Хидекель — развивали космический аспект геометрической беспредметности и идеи космизма.

Кубизм

Жорж Брак. Скрипка и подсвечник. 1910 год San Francisco Museum of Modern Art

Кубизм сформировался во Франции осенью 1908 года в работах Жоржа Брака и Пабло Пикассо. В Россию он проникает разными путями. Так, художница Александра Экстер регулярно привозит из Парижа разные сведения о новом модном стиле, а в 1908 году коллекционер Сергей Иванович Щукин открывает всем желающим свой особняк в Большом Знаменском переулке. В собрании среди прочего есть работы кубистов, и в галерею регулярно заходят будущие бубновалетцы . В 1912 году в сборнике «Пощечина общественному вкусу» выходит статья художника и поэта Давида Бурлюка «Кубизм». Кубизм, пишет он, подразумевает плоскостное понимание мира или канон сдвинутой конструкции, а его важнейший прием — изображение объекта с нескольких точек зрения. Три года спустя в манифесте «От кубизма к супрематизму» Казимир Малевич определяет сущность направления как «диссонанс», происходящий в результате «встречи двух форм»: «В принципе кубизма лежит еще очень ценная задача, не передавать предметы, а сделать картину. <...> В нашей эре кубизма художник уничтожил вещь как таковую с ее смыслом, сущностью и назначением».

Кубофутуризм

Наталия Гончарова. Фабрика. 1912 год Государственный Русский музей

Впервые это понятие в 1912 году использовал французский критик Марсель Буланже, а на следующий год термин получает распространение и в русской культуре. К кубофутуристам причисляет себя поэтическо-художественная группа «Гилея», а также художники круга «Союза молодежи». В кубофуту-ристических произведениях мир предстает раздробленным на фрагменты или разобранным на элементы. В ноябре 1913 года кубофутуристическими называет свои работы Малевич в каталоге выставки «Союза молодежи». В 1912-1913 годах появляется кубофутуристичная живопись Наталии Гончаровой («Фабрика»).

Левое искусство

Александр Родченко. Вариант обложки журнала
«Леф»  «Леф» — «Левый фронт», журнал, выходивший в Москве в 1923-1925 годах, главный редактор — Владимир Маяковский. Несколько номеров оформлены Александром Родченко. (шарж на О. Брика). 1924 год
Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина

Весной 1915 года после Выставки картин левых течений в Петрограде термин «левое искусство» наравне с понятием «футуризм» стал применяться по отношению к новаторскому искусству. В 1917 году были созданы три федерации; одна из них называлась «левой» и объединяла большинство художников-авангардистов. К 1919-му термин меняет свое значение: теперь так называют беспредметников и пролетарских художников. В начале 1920-х последние образуют группировку вокруг журнала «Леф».

Линиизм

Александр Родченко. Линейная конструкция № 108. 1920 год monoskop.org

В 1919 году термин изобрел Александр Родченко, обозначив так одно из тече-ний в беспредметном искусстве. «Ввел и объявил линию как элемент конст-рукции и как самостоятельную форму живописи», — писал он в Манифесте раннего конструктивизма.

Лучизм


Михаил Ларионов. Петух (Лучистый этюд). 1912 год

Одна из первых систем беспредметной живописи, разработанная Михаилом Ларионовым. Лучизм, считал Ларионов, должен связать в единой гармонии видимый материальный мир и мир духовный. Первые лучистские работы художник создал в 1912 году, и тогда же они были показаны на выставках «Мира искусства». В 1913 и 1914 годах лучистская живопись Ларионова экспонировалась на выставках «Мишень» и «Номер 4». Для реалистического лучизма характерны анималистические сюжеты. Для следующей стадии лучизма — пневмолучизма — использование других техник (например, вставки из папье-маше, знаков вроде нот, крестов и проч.).

Ориентализм

Важная часть программы художников раннего авангарда. Влияние восточного искусства в основном отразилось на теории и манифестах и привлекало худож-ников авангарда скорее сюжетами и темами, чем приемами. Важно было само погружение в атмосферу Востока, а не изучение особенностей искусства. Теоретическое обоснование ориентализма разработали Михаил Ларионов и Илья Зданевич. И как раз любовь к Востоку стала поводом к разрыву Ларио-нова с «Бубновым валетом» — его членов художник обвинял в подража-тельном западничестве. Впрочем, к середине 1910-х тема Востока оказалась забыта, а ориентализм исчерпал себя.

Примитивизм

Михаил Ларионов. Весна. Времена года (Новый примитив). 1912 год Государственная Третьяковская галерея

Направление раннего русского авангарда (конец 1900-х — начало 1910-х). Среди особенностей примитивизма — инфантильные, детские формы и пропорции фигур, неуклюжая пластика, имитация любительского рисования, наивная сказочность. Принципиальную роль здесь играла опора на национальную традицию, на образцы древнего и народного искусства, прежде всего икона, лубок, скульптурную архаику. Впервые слово было использовано поэтом и критиком Сергеем Маковским в статье о выставке «Голубая роза»: «Они — возвестители того примитивизма, к которому пришла современная живопись, ища возрождения у самых родников — в творчестве непосредственном, не обессиленном тяжестью исторического опыта. <...> Современный сознательный примитивизм, понятый как основная задача, — последняя победа художнического освобождения». Летом 1907 года термин также используется в анонсе выставки Бурлюков в Херсоне.

Супрематизм


Казимир Малевич. Без названия. Около 1916 года The Solomon R. Guggenheim Foundation Peggy Guggenheim Collection, Venice

Так в декабре 1915 года Малевич охарактеризовал свои работы, показанные на «Последней футуристической выставке „0,10“». Его «Черный квадрат» открыл новое поле опытов — чисто геометрическую беспредметную форму. В начале 1920 года Малевич уехал преподавать в Витебск, и там супрематизм становится основой новой педагогики Уновиса — «Утвердителей нового искусства».

Футуризм


Джакомо Балла. Скорость + звук. 1913-1914 годы The Solomon R. Guggenheim Foundation Peggy Guggenheim Collection, Venice, 1976

От итальянского futuro — «будущее». Футуризм возник в Италии в 1909 году благодаря Филиппо Томмазо Маринетти и распространился на все области художественного творчества. Основа футуризма — новый язык искусства, соответствующий изменившемуся миру. По свидетельству Давида Бурлюка, русские художники и литераторы начали использовать термин с 1911 года. Сами футуристы, однако, тогда называли себя будущниками или будетлянами. Ближе всего к футуризму были группы «Ослиный хвост» и «Союз молодежи». Особенно популярен в русской живописи футуризм был до 1914 года. 

Понятие «авангардизм»

Определение 1

Авангардизм – (от франц. avant-garde – передовой отряд) является условным наименованием художественных направлений XX в., в которых обнаруживается стремление к обновлению и разрыву художественной практики с устоявшимися традициями реализма, поиски средств выражения и форм произведений новых, необычных по содержанию. Все самые острые противоречия эпохи, растерянность перед происходившими общественными катаклизмами и как следствие стремление найти новые способы эстетического воздействия на жизнь отразились в противоречивости различных движений авангардизма.

Представителями этого течения в России являются:

  • В. Малевич,
  • В. Кандинский,
  • М. Ларионов,
  • М. Матюшин,
  • В. Татлин,
  • П. Кузнецов,
  • Г. Якулов,
  • А. Экстер,
  • Б. Эндер,
  • и др.

Авангардизм, используя анархически-бунтарские формы, был направлен на эстетическую революцию, которая должна была разрушить духовную косность существующего общества. Авангардисты использовали в своем творчестве «поэтику улицы», ритмы современного города, природу, обладающую не только созидательным началом, но и разрушительной силой, подчеркивали принцип «антиискусства», тем самым отвергая традиционные стили, существовавшие ранее. Наряду с этим в живопись стали активно включаться заимствования из искусства африканских народов, народного лубка, других неклассических сфер творчества, иными словами, авангард придал особую значение диалогу культур.

Характеристика авангардизма

Авангард – явление крайне пестрое и противоречивое, в котором странным образом в непримиримой борьбе сосуществовали направления совершенно противоположные. Однако наиболее общими чертами для всех ответвлений авангардизма являются:

  1. экспериментальный характер;
  2. направленность против традиционного искусства его ценностей;
  3. активный протест против всего того, по мнению представителей авангарда, являлось консервативным и обывательским;
  4. отказ от «прямого» изображения действительности;
  5. создание принципиально новых форм, приемов и средств художественного выражения;
  6. стремление к стиранию границ между традиционными видами искусства и их взаимопроникновению.

Основными направлениями авангарда в живописи являются абстрактное искусство, кубизм, экспрессионизм, супрематизм, футуризм, дадаизм, конструктивизм, метафизическая живопись, сюрреализм, наивное искусство и некоторые другие. Есть также в истории культуры такие выдающие художники, которых невозможно отнести однозначно к одному из указанных направлений, среди них Пикассо, Шагал, Филонов, Клее, Матисс, Модильяни, Ле Корбюзье и некоторые другие. Феноменов авангарда огромное множество и возможна лишь условная классификация их, при этом только по отдельным параметрам.

В России одним из наиболее активно развивавшихся течений авангардизма было абстрактное искусство (абстракционизм), главными теоретиками и практиками которого были В. Кандинский, П. Мондриан.

Замечание 1

Представители абстракционизма отказались от изображения привычных форм воспринимаемой действительности, особое внимание уделив выразительным ассоциативным свойствам цвета, абстрактным цветоформам и их сочетаниям.

В 1910г. Кандинским были созданы первые абстрактные работы. Он считал, что художник, отказываясь от изображения внешних, форм предметов, может сосредоточиться исключительно на решении живописных задач гармонизации цвета и формы.

Развитие абстракционизма шло по двум направлениям:

  1. гармонизации цветовых аморфных сочетаний,
  2. создание геометрических абстракций.

Представители первого направления, среди которых ранний Кандинский, Ф. Купка, завершили поиски экспрессионистов, стремившихся освободить цветовую палитру от форм видимой реальности. Они утверждали, что цвет сам по себе обладая выразительной ценностью, может передавать лиризм и драматизм человеческих переживаний и духовных исканий.

Другое направление шло по пути изображения художественного пространства посредством разнообразных сочетаний всевозможных геометрических форм, прямых и ломаных линий. Главными представителями его в России были Малевич периода геометрического супрематизма и поздний Кандинский с его геометрическими абстрактными композициями.

Шагал, Малевич, Кандинский, Филонов, Серебрякова, Гончарова, Ларионов, Григорьев, Петров-Водкин, Экстер, Альтман, Татлин, Лисицкий, Родченко… Не просто «звездные» имена и знаковые работы, но еще и блестящее представление феноменального явления в мировой культуре.

Марк Захарович Шагал. К моей невесте

Один из главных музеев Вены, периодически попадающий на страницы всех искусствоведческих обозревателей мира, художественная галерея Albertina вновь в центре внимания. На сей раз поводом стала выставка с громким претенциозным названием «Русские авангарды: от Шагала до Малевича». Опустим политический момент этнического происхождения Марка Шагала и Казимира Малевича и отправимся насладиться искусством, ведь если что сегодня и можно противопоставить играм властей и войнам народов, то это как раз искусство. Особенно если оно прошло проверку временем и выставляется в Вене.


Натан Альтман. Анна Ахматова

Казимир Северинович Малевич. Авиатор. 1914

Михаил Федорович Ларионов. Офицерский парикмахер. 1909, 89×117 см.

Борис Дмитриевич Григорьев. Портрет Всеволода Эмильевича Мейерхольда. 1916, 247×163 см.

На выставке — 130 шедевров. О ее масштабе и уровне можно судить и по тому, что из Государственного Русского музея (Санкт-Петербург) в Вену привезли даже «Черный квадрат» Малевича.

Работа Бориса Григорьева, фото с выставки — Артхив

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин. Тревога

Конечно, сам жанр «русских авангардов» (множественное число здесь употребляется намеренно, с желанием подчеркнуть разнообразие возникших одновременно стилей) неразрывно связан с политической составляющей начала XX века — не просто так в разных залах мы встречаем мониторы, на которых демонстрируются компиляции из кинохроник тех времен: мы увидим и постепенно зарождающиеся революционные настроения, служащие естественным народным ответом на бессмысленное участие в Первой мировой войне, и даже, ближе к концу экспозиции, жутковатый кинофильм о создании культа личности Иосифа Сталина.

Изображаемый почти всегда одинаково, Ленин тоже стал в художественном смысле символом авангардистским, хотя бы благодаря несчетному количеству повторений, выступающих противовесом любой городской индивидуальности.

Константин Федорович Юон. Комсомолки. Подмосковный молодняк. 1926

Изначально милитаристский термин, авангард (фр. avant-garde) или буквально «передовой отряд» и означал реакцию художника (в обширном понимании этого слова, как англ. artist) и творческих группировок на происходящее в окружающем мире. Футуризм (одно из главных авангардистских направлений — в первую очередь, правда, в литературе) стихами Маяковского очень точно обозначил превосходство политической составляющей над личной славой:

Мне наплевать
на бронзы многопудье,
мне наплевать
на мраморную слизь…
пускай нам
общим памятником будет
построенный
в боях
социализм.

Натан Альтман. Петрокоммуна. 1921

Впрочем, создатели экспозиции подчеркивают, что не так важна сегодня та программная часть творчества, как ее форменное выражение. Буквально в начале выставке нас встречают две картины художника Натана Исаевича Альтмана — это известный кубический портрет Анны Андреевны Ахматовой, встречаемый часто в учебниках по литературе, и картина «Петрокоммуна», напоминающая агитационную листовку. Первая была создана в 1914 году и узнаваема до сих пор, найти вторую (год 1921) в поисковой системе Google, не зная точного названия, довольно проблематично. За 7 лет художник нашел, о чем писать в своем прорывном стиле, но мы видим, что именно фирменный стиль увековечил его имя, а никак не позже обретенное смысловое направление творчества.

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин. Фантазия. 1925

Тем любопытнее на этой выставке картины, лишенные пропагандистской составляющей вовсе.

Зинаида Евгеньевна Серебрякова. Баня. 1913

Не только сами известнейшие и яркие работы, но и намеренное их противопоставление — часть общей «игры на публику» данного вернисажа: ясная, светлая работа Серебряковой, воспевающая красоту женского тела, и карикатурная «Венера» Ларионова — весьма неожиданный спецэффект…

Михаил Федорович Ларионов. Венера и Михаил. 1912, 85.5×68 см.

Из работ, которые, отражая суть века перемен, не являются все же политизированными, возьмем, к примеру, «Велосипедиста» Натальи Гончаровой — изображение движущегося на велосипеде человека, вокруг которого рассыпаны буквы и слоги, легко складывающиеся в голове в стандартные городские вывески начала 20 века.

Наталья Сергеевна Гончарова. Велосипедист. 1913, 78×105 см.

Подобранными цветами, направлением движением велосипедиста (движение вперед обычно выражается слева направо, герой же картины движется как раз назад) и смешением букв с вывесок Гончарова будто показывает непонимание человеком окружающего торжества урбанизма. Парадокс заключается в том, что человек уже сам невольно стал частью этого будущего, ведь велосипеды в своей современной форме появились только ближе к концу 19 века.

Подобным образом сегодня можно со смартфонов фотографировать старинные особняки, выкладывать результат в социальные сети и ужасаться тому, что ты родился не в то время. Авангардизм очень точно и очень тонко чувствовал это внутреннее человеческое противоречие, пытаясь решить его поиском новых форм.

Наталья Гончарова. «Голубая корова», 1911

Интересный момент: выставка получила название «От Шагала до Малевича», что может показаться странным, ведь Шагал и родился, и умер позже Малевича — на 8 и 50 лет соответственно.

Марк Захарович Шагал. Еврей в красном. 1915

…Вот только Марк Захарович авангардистом является в более советском понимании этого термина — он противопоставляется реализму. Свое творческое кредо сам Шагал формулировал следующим образом: «Если бы я не был евреем, как я это понимаю, я не был бы художником или был бы совсем другим художником».

Его творчество пропитано переосмыслением еврейского фольклора и даже каких-то поговорок на идише в изобразительном искусстве. Казимир Малевич же был авангардистом по собственному решению — тот же Шагал был для него представителем старой школы, той, которая времени не соответствует, и с монополией которой следует потому бороться, не покладая рук и кисти.

Марк Захарович Шагал. Скрипач

Мрачные «Скрипач» и «Красный еврей» Шагала демонстрируют его живой интерес к теме своего народа, на тот момент еще и не мечтающего о получении государства, а живущего по всевозможным закуткам всего мира, в том числе и в родном для Марка Шагала Витебске. Выпадение этого народа из общей картины мира как раз и обусловливает его попадание на картины Шагала.

Лишенная еврейской тематики, заглавная картина выставки «Прогулка» (именно она смотрит на венцев со всех афиш) сочетает в себе сразу несколько смыслообразующих элементов — это и женщина, которая держится за руку мужчины и одновременно парит над землей, и накрытый на холмах за городом пикник, красной скатертью выделяющийся среди всех цветов картины, и сливающийся с природой город, виднеющийся вдали за героями.

Марк Захарович Шагал. Прогулка. 1918

И опять мы видим отрыв от привычного: от города, от цвета и, в конце концов, от земли. Этот отрыв и следует считать главным авангардистким элементом в работах Шагала — отрыв от общей жизни из-за невозможности в ней существовать в силу национального происхождения и индивидуальных взглядов.

Марк Захарович Шагал. Автопортрет с семью пальцами. 1913

Малевичу, впрочем, подобного отрыва не хватало — он, подобно Маяковскому, видел будущее искусства в отрицании его прошлого. Идея основанного Малевичем супрематизма лежит в использовании простейших геометрических фигур и доминировании цвета над остальными свойствами живописи.

Казимир Северинович Малевич. Девушки в поле

На выставке представлены три картины, которые должны, по задумке Малевича, стать основой будущего чистого искусства — «Черный квадрат», «Черный круг» и «Черный крест». Именно комбинации подобных фигур и их наделение цветами предназначены были задать искусству вектор в развитии. «Девушки в поле» или «Человек в супрематическом ландшафте» очень точно демонстрируют, что конкретно Малевич имел в виду под простейшими фигурами и доминированием цвета.

Казимир Северинович Малевич. Красная конница. 91×140 см.

Казимир Северинович Малевич. Мужчина в супрематическом пейзаже

Относиться к Казимиру Севериновичу можно по-разному — можно последовать примеру девушки, чей голос я случайно услышал возле картины «Красный квадрат»: «О, безумный Малевич. А почему красный квадрат? Он же черный рисовал!», можно быть его фанатом и утверждать, что только это и вправе называться искусством, но неоспорим один факт — он внес свою лепту в развитие художественной мысли, пусть, подобно доминированию цвета на его картинах, его идеи порой и доминировали над художественной ценностью его работ.

Впрочем, последний вывод о Малевиче применим и к «авангардам» в целом — в желании новизны они часто не учитывали интересов аудитории. Впрочем, время все расставило по своим местам: сами идеи, достойные пережить своих творцов, это сделали и смотрят на нас с картин художников начала 20 века в венской художественной галерее Albertina. Идеология же в любом случае проиграла неравный бой форме — картины и искусство пережили и переживут любой социальный строй и государственный режим.

Павел Николаевич Филонов. Пир королей. 1913, 175×215 см.

Владимир Васильевич Лебедев. Обнаженная модель. 1935

Источник - фотоматериалы и иллюстрации